7 Obras maestras que cambiaron el cine

7 Obras maestras del cine

Cada año, desde hace más de 100, se producen cientos de películas en todo el mundo. Sin embargo, pocas pasan al imaginario colectivo y se convierten en auténticas referencias para los estudiantes de cine y para el público aficionado en general al séptimo arte. Te traemos hoy 7 obras maestras que cambiaron el cine e influyeron, y siguen influyendo, en generaciones de cineastas de forma que el mejor cine que hoy en día vemos está en deuda con sus autores y creadores.

Estas películas, y otras obras maestras, son habitualmente utilizadas en nuestros Cursos y Diplomaturas de cine y tv pues su estudio es una herramienta fundamental de aprendizaje.

Este listado está ordenado por su fecha de realización, considerando todas ellas igual de relevantes e importantes para cualquier estudiante de cine o persona que desee hacer películas.

El nacimiento de una nación

1.- El nacimiento de una nación (David W. Griffith, 1915)

Aunque pudiera parecer extraño decir que una película de hace más de un siglo es la primera película moderna de la historia, ciertamente El nacimiento de una nación lo es.

Prácticamente todos los recursos y técnicas narrativas y de puesta en escena del cine que hoy vemos están por primera vez presentes en una película.

La alternancia de planos largos y cortos, los movimientos de cámara, las acciones paralelas todo está en el cine actual pero el primero que lo combinó de manera magistral fue Griffith.

El acorazado Potemkin

2.- El acorazado Potemkin (Sergei M. Eisenstein, 1925)

Eisenstein dirige en 1925 esta emblemática obra, a mayor gloria de la revolución bolchevique de 1917.

A diferencia del cine de Hollywood, basado en el estilo de continuidad establecido por Griffith y en el que el rodaje y el montaje deben estar totalmente supeditados a que la narración fluya de forma imperceptible ante el espectador, Eisenstein rueda y monta la película para sobrecoger al espectador.

La continuidad entre planos no está al servicio de la fluidez de la narración sino que persigue impactar al espectador. El montaje está cargado de mensaje y simbolismo. Los planos se suceden ante el espectador para transmitir emociones y, en su conjunto, un mensaje político.

la diligencia

3.- La diligencia (John Ford, 1939)

La diligencia es mucho más que un western, que una película de acción y aventuras, aunque también sea todo esto.

Es ante todo una historia magistralmente contada utilizando el estilo de continuidad, el estilo invisible de Hollywood, sobre nueve personajes que encarnan claras categorías sociales enfrentados a una situación límite.

Los personajes, los diálogos, la narración, la iluminación, todo funciona perfectamente y nada destaca especialmente.

Orson Welles dijo que para él era “la mejor película de la historia” y que antes de abordar el rodaje de Ciudadano Kane, la había visto cuarenta veces.

Ciudadano Kane

4.- Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941)

Orson Welles no introduce ninguna innovación técnica en esta obra maestra, pero combina todas como nunca nadie lo había hecho antes y utiliza algún recurso ya antes visto con un talento y una pericia nunca antes vistos. Welles pone ante el espectador una película revolucionaria.

Partiendo de un guión magistral en el que él colaboró, emplea magistralmente los flash backs, la profundidad de campo, la iluminación, dotando a la película de una estética innovadora.

centauros del desierto

5.- Centauros del desierto (John Ford, 1956)

Steven Spielberg dijo que durante el rodaje de sus películas veía varias veces Centauros del desierto, Martin Scorsese no se cansa de decir que se trata de una obra maestra de la que extrajo mucho para el rodaje de Taxi Driver, para John Milius se trata de la mejor película de la historia, George Lucas reconoce con orgullo que fue una de las películas que influyó en su concepción de La guerra de las Galaxias

Centauros del desierto es un extraordinario relato de una búsqueda obsesiva magistralmente contada. Las escenas de acción y las intimistas, la cámara en vertiginosos travellings o quieta ante el trabajo coral de los actores, los imponentes exteriores, todo funciona a la perfección.

Y, el principio y el final, son míticos, forman parte de la historia del cine.

El padrino

6.- El Padrino (Francis Ford Coppola, 1972)

El Padrino tiene todo lo que una película necesita para ser perfecta. El guión, la interpretación, la puesta en escena, la iluminación, la dirección artística, la fotografía, la música.

Coppola utiliza todos los recursos con maestría. La planificación, clásica, sencilla, está siempre al servicio de la historia y de los personajes. Y la secuencia del bautizo, en la que combina las acciones paralelas con el montaje simbólico típico del cine pionero soviético.

Una historia no solo de la mafia, sino también de ambición, venganza, lealtad, traición, con personajes sólidamente construidos y una dirección impecable al servicio del conjunto.

La guerra de las galaxias

7.- La guerra de las galaxias (George Lucas, 1977)

Contra lo que se suele decir no es en absoluto un película de ciencia ficción. Es una obra maestra del cine de acción y aventuras que se nutre, gracias a la impresionante cultura cinematográfica de Lucas, de muchísimos referentes del cine clásico.

En la Guerra de las galaxias hay elementos del cine de capa y espada (órdenes de caballeros, duelos a espada), del western (la llegada de Luke a la granja arrasada es un claro homenaje a la llegada de Ethan al rancho arrasado en “Centauros del desierto” y la escena en el bar de Mos Eisley recuerda a cualquier escena de saloon del oeste), del cine bélico (las escenas de combates aéreos entre cazas y grandes naves evocan las de la segunda guerra mundial).

Lucas crea una aventura fantástica en un universo imaginario recreado a la perfección y la película no tiene ni un plano de sobra ni uno que se eche de menos.

Recuerda, estudiar a los clásicos del cine te permitirá contar mejor tus historias. Aprender de ellos forma parte de nuestro método formativo. Esta selección de obras maestras ha sido realizada por Jorge Álvarez, profesor de Lenguaje Audiovisual de la escuela. Hay muchas más grandes películas, es posible que tu quieras sugerir o comentar al respecto. Aquí tienes la oportunidad de hacerlo.

La violencia en el cine en 23 clips

Psicosis Hitchcock

En esta página encontramos un repaso a la violencia a través de la historia del cine y de 23 de sus más reconocidas películas.

Creemos que es artículo es de interés para los estudiantes de cinematografía y audiovisuales pues en estas películas, algunas de ellas míticas gracias a sus innovaciones a la hora de contar historias, pueden ver la propia evolución de la técnica cinematográfica tanto en rodaje como en montaje.

Swinging the first punch - Edison

1.- EL PRIMER GOLPE. En los comienzos del cine Thomas Edison abrió unos salones de juego en Nueva York y además produjo 75 piezas de cine mudo para atraer la demanda. El contenido incluía desde forzudos, a boxeo o peleas de gallos. Este es un ejemplo de una pelea entre 2 gatos:

El gran asalto al tren -

2.- EL GRAN ASALTO AL TREN. En 1903 se convirtió en una de las primeras películas en utilizar técnicas cinematográficas tal cual hoy las conocemos, pero poco convencionales para aquel momento: utilización de una banda sonora, rodaje en localizaciones naturales, movimientos de cámara o edición. Sin embargo, lo que hizo famosa a esta pieza fue su final en el cual un bandido dispara a cámara. Debemos tener en cuenta que el público aún no estaba muy familiarizado con el cine y muchos pensaron que realmente la bala iba a salir de la pantalla. A pesar de esto, la película fue uno de los mayores éxitos comerciales del cine mudo y la gente acudió en masa a verla.

EL nacimiento de una nación - Griffith

3.- EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN. en 1915 D.W: Griffith realizó una de las películas épicas del cine mudo. Innovadora en su concepción y forma de contar la historia la película fue además muy controvertida al tratar el tema del Ku Klux Klan y el racismo desde el punto de vista del sur.

Scarface

4.- CUANDO LOS GANSTERS MANDAN. En los orígenes de Hollywood los principales estudios se encasillaron cada uno es un nicho: la Universal se enfocó en el terror, la MGM musicales y la Warner en las películas de mafias. En 1932 Howard Hwaks realizó Scarface un crudo drama que enfadó a los censores por no condenar la violencia. EL productor Howard Hughes animó a rodar a Hawks esta película a pesar de todo pero finalmente un subtítulo condenaba la violencia. Inspirado en la vida de Al Capone, tampoco satisfizo a éste.

Semilla de maldad

5.- SEMILLA DE MALDAD. La paz instaurada tras la II guerra mundial se vio truncada en 1955 por Richard Brooks y su drama antisocial sobre profesores y violentos estudiantes en Nueva York. La película fue vista por la audiencia como una dura crítica a la juventud y creó una gran controversia por este motivo. Pero cinematográficamente hablando supuso también el lanzamiento de l Rock and Roll al usar música de Bill Haley y los cometas lo que acercó a la juventud a la película.

Más sobre la historia de la violencia en el cine en este enlace

100 años de “El Nacimiento de una nación”

No estamos hablando de política. Hablamos de la mítica película de D. W. Griffith, hito de la historia del cine y que puedes ver haciendo click en el enlace inferior.

Griffith es considerado el padre del cine moderno. ¿Sabrías decirnos por qué? Seguro que nuestros alumnos de Montaje ya lo saben

Disfruta del espectáculo.