Primeras pruebas de la Blackmagic Ursa 4.6K

Cámara Ursa 4.6K

La web de BlackMagic Design acaba de publicar imágenes de prueba de la nueva cámara Ursa 4.6K y la verdad es que ofrece resultados muy interesantes.

Llevará el mismo sensor que las cámaras Ursa existentes hasta el momento pero promete un rango mayor, de hasta 15 stops.

Para enseñanza de cinematografía digital será una gran opción en el futuro próximo, de la que posiblemente se aprovecharán especialmente los estudiantes de dirección de fotografía de la escuela.

Capitan Hook ha sido el encargado de realizar estas pruebas y al respecto escribe: “Couple of things about the URSA 4.6k footage for some ‘background’. I shot this on a prototype so things were still in development and changing. This was also just me shooting solo with the URSA like previously and is “home movie” type stuff intended to be a quick first look. In fact, last time with my URSA beta video i had Danelle helping me to carry some gear but this time it was just me shooting some friends and around the city – definitely no crew or anything like that. For the kitchen shots and the drumming i set up some lights, everything else is 100% natural light, not even bounce. Grading on this video is purposely VERY simple. It’s really just a quick setting of white balance, then contrast and saturation. I didn’t tweak individual colours or even shift colours with Lift/Gamma/Gain because i wanted to show the great natural colour “out of the box”. This part is my personal opinion and obviously now that i work for BMD people will take it with a grain of salt (to be expected), but personally i think we’ve made a BIG improvement on colour – colour that i already really liked which led me to first purchase the BMCC as a customer. I think the improvement in colour is just as big as the improvement on dynamic range. With DR, so far in my experience i think it’s safe to say that whatever you rate the Pocket Camera to be, add roughly 2 stops. 1 stop in the highlights, and another stop in the shadows. I can’t wait for people to get this and go shoot some incredible footage with it!”

Esta información es sobre la cámara en sí:

Más información en www.newsshooter.com

Christopher Nolan: una historia de sueños y realidades

Origen

Con motivo de su discurso en la ceremonia de clausura del curso escolar de la Universidad de Princeton el director de cine Christopher Nolan aprovechó para animar a los jóvenes a cambiar el mundo.

Nolan director a quien atrae especialmente la dualidad de el mundo de los sueños y la realidad tal y como podemos ver en su película Origen, aprovechó para hablar de cómo los jóvenes pueden cambiar no los sueños, sino la realidad que les rodea.

“In the great tradition of these speeches, generally what happens is the speaker says something along the lines of ‘you need to chase your dreams.’ But I am not going to say that because I don’t believe it,” Nolan said. “I don’t want you to chase your dreams. I want you to chase your reality. I want you to understand that you chase your reality not at the expense of your dreams, but as the foundation of your dreams.”

Porque para el director de cine, “la realidad importa” “(Reality matters. It won’t be transcended,”) más que nunca en un mundo dominado por los medios y cultura digital.

En la escuela hacemos mucho hincapié a los alumnos sobre la importancia de contar historias que realmente les interesen y emocionen. También, de que si repasamos la filmografía de grandes directores encontraremos una unidad temática que nos conducirá a la idea que realmente interesa a ese director, como podría ser el mal uso de la tecnología en el caso de James Cameron, por ejemplo.

Tras cada buena película hay siempre una idea clara que contar.

El final “abierto” de Origen es una muestra clara de cómo una visión particular, y subjetiva, de un cineasta puede provocar preguntas en nosotros que vemos la película y diferentes respuestas subjetivas acerca de este final.

Origen es un guión y película a estudiar, así lo hacemos en clase. Aquí tienes el enlace al guión original. La secuencia final te la mostramos.

¿Es un sueño o una realidad?

Tráiler de “Rey Gitano” la nueva película de JuanMa Bajo Ulloa

Rey Gitano
No llega a los cines hasta el 17 de julio pero ya tenemos las primeras imágenes de la nueva película de JuanMa Bajo Ulloa.
Rodada el verano pasado, esta película nos hace especial ilusión pues en ella han intervenido un buen grupo de alumnos y profesores de la escuela: Carlos Padilla, Lucía Varela, Ion Arretxe… ¡¡ enhorabuena a todos !!

Tráiler de “Sinsajo 2” recién salido del horno

Desde E One Films acaban de compartir el tráiler de la nueva entrega de Sinsajo, la 2ª.

Seguro que nuestros alumnos de Montaje y Postproducción ya están pensando cómo se puede hacer este tipo de efectos en sus próximos cortos…y lo mejor es que lo conseguirán.

Ya estás tardando en verlo.

Este vídeo es diferente cada vez que lo ves

vídeo interactivo

Llevamos tiempo escuchando sobre los vídeos interactivos, pero la verdad no habíamos visto algo como esto.

Este vídeo es diferente cada vez que lo visionas, pequeñas diferencias en los bloques y dibujos que se generan automáticamente…pero diferentes cada vez que refrescas el vídeo titulado Dennis obra de Always and Forever Computer Entertainment

Dennis es un vídeo con música de popcorn_10 y producido por Always & Forever. Como respuesta a cada detalle musical se genera un vídeo en 3D, en tiempo real gracias al código informático cada vez que se presiona play. Además puedes cambiar la posición de la cámara como si fueses tu mismo el director de la película. Nunca verás dos veces el mismo vídeo.

 

Tráiler de “El puente de los espías”, lo nuevo de Steven Spielberg

El puente de los espías

Acaba de publicarse el primer tráiler de la nueva película de Steven Spielberg, sobre guión de los hermanos Coen y con su actor fetiche Tom Hanks una vez más.

Con una fotografía propia del mejor cine negro y una ambientación de los años 40, nos recuerda a varias de sus películas.

Seguro que los alumnos de la escuela estarán deseando verla para poder compartir experiencias y cine del bueno.

¿Tú qué crees?

7 consejos para cineastas

Robert Bresson

Leído en el www.elcosmonauta.es

“SXSW es, a día de hoy, el festival de cine independiente más importante de Estados Unidos (algunos piensan que Sundance todavía ostenta ese honor, otros pensamos que Sundance es una cosa muy de los 90 que debe renovarse).

En el de este año se hizo un panel sobre cine independiente con directores de fotografía y la genial revista Filmmaker Magazine ha hecho un resumen de 10 puntos que nos ha parecido importante resumiros y comentar. Aquí vamos:

1. Deja que la cámara cree la atmósfera. La revolución de las DSLRs no ha venido solamente en el ámbito de la luz, de las ópticas y de la rapidez, también del tamaño. Con cámaras tan pequeñas se pueden hacer rodajes mucho más reducidos, en espacios diferentes y crear un ambiente mucho más íntimo. Intimidan menos a los actores y se puede rodar con varias a la vez sin que se molesten unas a otras. Todo esto ha sido clave para el rodaje de nuestro largometraje y gracias a lo cual pudimos rodar una peli tan ambiciosa en unos tiempos tan ajustados y con tantas localizaciones como tuvimos.
2. Las lentes son la clave. Busca un buen director de fotografía que las conozca bien e invierte en tener buenas lentes. Usa la que necesites en cada momento aunque sean de diferente marca pero intenta darle una uniformidad a la película. En cualquier caso, después del impass de varios años del cine digital en el que todo se parecía bastante a la televisión, el cine ha vuelto. Conocer que efecto narrativo produce cada objetivo con sus variantes de apertura de diafragma y obturador es una de las tareas más importantes para un director.
3. Localización. Localización. Localización. Si no tienes dinero para tener mucho equipo de iluminación ni de cámara, escoger una localización adecuada, que tenga ya de por si una atmósfera, que cuente algo, que te permita añadirle capas a la historia, es casi el 50% de la película. Tarkovski hablaba mucho de la importancia de crear la atmósfera adecuada en el set porque todo eso se transmitía después a través de los actores y los técnicos al negativo. Es una de las razones por las que decidí rodar en Letonia y Rusia en lugar de en España y creo firmemente que es lo que ha hecho que la película luzca lo bien que luce, que sea 100% creíble. No importa cuanto tiempo pierdas localizando o cuanto gastes en un location scouter, merecerá la pena.
4. Tira neutro. Este consejo dado por PJ Raval, que se refiere a rodar de la forma más neutra posible para tener más opciones después en postproducción es uno de los pocos con los que estamos solo parcialmente de acuerdo. Mi director de fotografía Luis Enrique y yo decidimos buscar un look bastante final en cámara, y dejar lo menos posible para la postproducción. En parte debido a que rodábamos con 5D y 1D, que tienen menos rango a la hora de postproducir y etalonar, en parte porque sentimos que la magia que se crea en un set dificilmente es igualable a lo que se experimenta en una sala de edición, por lo que queríamos dejar que la imagen se empapara de lo que sentíamos en esos momentos respecto a la luz, nuestro estado de ánimo y nuestro entorno. (Por otro lado, el siguiente consejo de Clay Lifford es exactamente el opuesto y viene a decir lo mismo que nosotros).
5. Abraza tus limitaciones. Que viene a ser lo mismo que el clásico: Si no puedes con tu enemigo, únete a él. Es, creo, el consejo que todo director y DOP debe tener en mente una y otra vez, y no solo aplicarlo a su trabajo sino intentar que su equipo lo comprenda también. En El Cosmonauta, por ejemplo, teníamos una limitación de presupuesto acusada, lo cual limitaba las posibilidades del equipo de arte, de la posible iluminación y del vestuario. Una de las principales decisiones que tomamos fue tirar todos los interiores con focales largas (nunca menos de un 50mm y normalmente de un 85mm en adelante). El resultado es espectacular y cinematográfico y en casi ningún momento se nota la falta de medios.
6. Keep it simple. Bresson, al que considero el mejor teórico del cine que haya existido, tiene una frase de su “Notas sobre el cinematógrafo” que yo llevaba impresa en el bolsillo cada día del rodaje: “La facultad de hacer buen uso de mis medios disminuye cuando su número aumenta”. Focaliza tu atención en un problema a la vez y dedícale el 100% de la atención. Intenta reducir los problemas a la mínima cantidad posible. Ponte las cosas fáciles todo lo que puedas para poder hacer mejor las que tienes que hacer. Que las circunstancias no te sobrepasen. Este consejo en concreto es fruto de la experiencia de EC. Nos planteamos una película muy muy ambiciosa (rodada en otro idioma, durante 11 semanas a pesar de tener una décima parte del presupuesto de una película convencional, con más de 80 localizaciones diferentes, secuencias con decenas de figurantes, de ciencia ficción… y siendo nuestro primer largometraje). Por suerte, todo salió a la perfección gracias al equipo, pero podría haber sido un desastre también. El esfuerzo y el riesgo merecieron la pena, pero hay que tener cuidado e intentar pisar sobre seguro todo lo que se pueda.
7. Y añado un último consejo de cosecha propia: No tengas miedo.
No tengas miedo a equivocarte. A fallar. A no hacerlo perfecto. A que tu primera película no sea una obra maestra. A no saber algo. A descubrirlo por el camino. A cambiar tu camino si hace falta. Todo eso es parte del proceso de crear y es así como surgen películas memorables. Cuando lo incierto se concreta. Eso sí, intenta rodearte de gente que te apoye en esa montaña rusa emocional que es hacer un largometraje y no te dejes arrastrar por la técnica. Por el “pero es que en el cine se hace así”. Confía en tu instinto y no tengas miedo…“8

 

Pero, ¡ qué fácil es hacer cine !

Rodaje de Cleopatra

Vivimos en un mundo donde cualquiera con una cámara y un ordenador puede crear una historia. Lo llamamos democratización del cine. Es una de las razones por las que cada día se crea una ingente cantidad de contenido audiovisual, gran parte del cual se comparte en internet, casi de forma instantánea y donde se pueden encontrar piezas realmente ingeniosas e interesantes.

Entonces ¿Para qué sirve una escuela de cine? ¿Por qué estudiar en una escuela de cine?

Podríamos ofrecerte muchas razones, pero nos centraremos en una: los contenidos profesionales no son tan fáciles de crear.

Requieren de planificación, de trabajo en equipo, de un guión previo que evite la improvisación, de la gestión de un presupuesto, de la planificación de una promoción adecuada, de profesionales especializados en cada departamento que trabajen coordinados

Si quieres crear contenidos profesionales, que puedan ser emitidos por cualquier canal o medio, te recomendamos te formes lo mejor posible, de manera especializada en aquello que más te atrae: guión, producción, creación de efectos, sonorización, cámara, fotografía, dirección…hay tantas profesiones maravillosas, pero complejas, que puedes elegir a tu gusto la que más te apasione. Además en una escuela encontrarás personas con tus mismos intereses y objetivos.

Puedes consultar nuestra oferta formativa en este enlace. También puedes como siempre contactar con la escuela vía telefónica: +34 914577973 ó +34 914572311 o vía email: informacion@septima-ars.com

Todo lo que hemos comentado queda muy claro en este reportaje, emitido en la Sexta con motivo de los 50 años de Cleopatra,  sobre el rodaje más caro de la historia…pero es que no fue nada fácil llevarlo a cabo.

Llegó a los cines después de años de rodaje y de mil quebraderos de cabeza. Tantos, que acabó costando veinte veces más de lo previsto. Fue un rodaje caro, eterno y complicado que también hizo parada en España. Cambios de localizaciones de un país a otro, reconstrucciones continuas de los escenarios, una neumonía que casi acaba con Liz Taylor… vamos que mejor que veas el reportaje.

Más vídeos en Antena3

Ya llega Parque Jurásico

Parque Jurásico

Llega el verano, es momento de vacaciones, parques de atracciones, también de nuestros cursos de verano y cine…y de uno de los estrenos más esperados la nueva entrega de Parque Jurásico.

En el canal de Universal tienes un montón de información sobre la película, sobre su realización. Un montón de maravillosos efectos especiales sobre los que se apoya una historia bien contada, con planos sugerentes y con una producción propia de Steven Spielberg. Vamos que tiene muchos de los ingredientes necesarios para que la película nos guste.

Para ver los espectaculares resultados aquí tienes los dos tráilers publicados hasta la fecha:

40 años del estreno de Tiburón

40 años de Tiburón

Parece que fue ayer, pero no. Ya han pasado 40 años desde que llegase a las pantallas una obra que marcó a toda una generación de cinéfilos y cineastas: Tiburón.

Una película con innumerables problemas de producción que sólo un genio de nuestro séptimo arte como Steven Spielberg podía resolver gracias a una dirección magistral y un montaje y sonorización fantásticos y que han convertido la película en un hito en la historia del cine.

Los amigos de Hipertextual en este artículo nos ofrecen mucha información sobre la película y su realización.

“Fue en el verano de 1975 que ‘Jaws’ comenzó a escribir una historia en la pantalla grande y cambió el cine comercial para siempre. Espectadores, primero de Estados Unidos y luego de todo el mundo, vivieron el terror a través de esta cinta que da escalofríos, llena de suspenso y una historia de la que aún se habla.

Como sucede con algunas películas, su manufactura está llena de anécdotas y situaciones que transformaron la idea original pero esto fue precisamente lo que las hizo únicas. ‘Jaws’ se convirtió rápidamente en una película que batió récords en taquilla, en venta de artículos promocionales y mandó al cielo las ventas de la novela homónima en la que se basó la trama del amenazador y sanguinario tiburón blanco, protagonista de la cinta.

Steven Spielberg o Spielbergo

Spielberg Jaws

 David Brown y Richard D. Zanuck fueron los productores de la película, y se cuenta que ambos compraron los derechos de la novela ‘Jaws’ de Peter Benchleyantes de publicarse. También, que la leyeron de corrido en una noche cada uno por su parte, para en la mañana siguiente tener la resolución de realizar la película. Comenzaron a buscar un director que hiciera posible la puesta al cine de la novela que los había cautivado y aunque primero pensaron en John Sturges, director de otra obra marítima: ‘El Viejo y el Mar’, se inclinaron por Dick Richards. Las diferencias entre los productores y este director hicieron imposible que siguiera a cargo del proyecto. Fue entonces que un joven Steven Spielberg, de apenas 27 años, entró a escena; éste había realizado su primer largometraje con estos mismos productores: The Sugarland Express, así que esto le valió para quedarse con la silla del director en ‘Jaws’.

La estrella es el tiburón

Jaws Spielberg

Pese a tratarse de una historia que no hace justicia a estos hermosos animales, las historias de bestias marinas y hambrientas han recorrido la ficción en muchas de sus expresiones. Así pues, éste temido tiburón blanco es en realidad el protagonista de la cinta. Así mismo lo quería Spielberg al inclinarse por actores poco conocidos hasta entonces, asegurando que un actor conocido “distraería” al público de la verdadera estrella. En los papeles principales contó con Roy Scheider que interpreta al jefe de policía Martin Brody, Richard Dreyfuss da vida al oceanógrafo Matt Hooper, Robert Shaw al cazatiburones Quint, Murray Hamilton al alcalde de Amity Island y Lorraine Gary a Ellen, esposa de Brody.

El protagonista de la película es, según Spielberg, el tiburón blanco

Para realizar el famosísimo tiburón que vimos en la pantalla se recurrió a los efectos mecánicos y se realizaron tres réplicas de tamaño real bajo la supervisión de Bob Mattey, especialista en esta clase de efectos y que estuvo a cargo de realizar el calamar gigante de la cinta ‘Twenty Thousand Leagues Under the Sea’ (20.000 leguas de viaje submarino) de 1954. Dichas réplicas mecánicas se convirtieron en todo un problema a la hora de rodar, no solo porque eran necesarios al menos 14 buzos para hacerlo funcionar, sino que el material y los mecanismos se estropeaban constantemente por el agua salada del mar. La leyenda cuenta que debido a esto, muchas de las veces esta es la razón por la que no vemos el tiburón en la pantalla y sólo escuchamos la música o vemos el terror de los personajes. Esto, sin duda,incrementó el nivel de suspense de la cinta, así como el resultado final en el queda más terror lo que no ves.”

Leer el artículo entero 40 años de terror con Tiburón de Steven Spielberg